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David Hockney, No. 323, 13th May 2020. iPad painting. © David Hockney.

DAVID HOCKNEY: The Arrival of Spring, Normandy, 2020

Royal Academy of Arts ( London ) ( 23 Mayo — 26 Septiembre, 2021 )

David Hockney es uno de los artistas británicos más importantes del siglo XX y sigue siendo uno de los más creativos.
A lo largo de su carrera, ha investigado nuevas tecnologías y ha explorado diferentes formas de hacer arte, comenzando con su iPhone en 2007 antes de adoptar el iPad y Stylus en 2010.
Este nuevo cuerpo de trabajo - 116 obras en total - ha sido "pintado" en el iPad y luego impreso en papel, con Hockney supervisando todos los aspectos de la producción.

Como señala el propio Hockney, trabajar en el iPad requiere la habilidad de dibujar y pintar. Cada obra, que se ha impreso mucho más grande que la pantalla en la que se creó, le permite ver cada marca y trazo de la mano del artista.
Realizada en la primavera de 2020, durante un período de intensa actividad en su casa de Normandía, esta exposición traza el desarrollo de la primavera, de principio a fin, y es una celebración alegre de las estaciones.
Inaugurada exactamente un año después de que se realizaron las obras durante la pandemia mundial, esta exposición será un recordatorio de la constante renovación y maravilla del mundo natural y la belleza de la primavera.






Georgia O'Keeffe Estramonio. Flor blanca n.º 1 1932 Óleo sobre lienzo, 121,9 × 101,6 cm Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, Arkansas, 2014.35 © Georgia O’Keeffe Museum, VEGAP, Madrid, 2021 Photography by Edward C. Robison III

GEORGIA O´KEEFFE

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid) ( 20 de Abril - 8 de Agosto, 2021 )

El museo presenta la primera retrospectiva en España de Georgia O’Keeffe (1887-1986). A través de una selección de aproximadamente 90 obras, el visitante puede sumergirse en el universo pictórico de esta artista, considerada una de las máximas representantes del arte norteamericano del siglo XX.

La exposición es un recorrido completo por la trayectoria artística de O’Keeffe, desde las obras de la década de 1910 con las que se convirtió en una pionera de la abstracción, pasando por sus famosas flores o sus vistas de Nueva York -gracias a las que fue encumbrada como una de las principales figuras de la modernidad de su país-, hasta las pinturas de Nuevo México, fruto de su fascinación con el paisaje y la mezcla de culturas de este remoto territorio.






Alexander Calder. Sandy’s Butterfly. 1964. Painted stainless sheet steel and iron rods, 12′ 8″ x 9′ 2″ x 8′ 7″ (386 x 279 x 261 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist. © 2021 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS),

ALEXANDER CALDER : Modern from the Start

The Museum of Modern Art ( New York ) ( 14 de Marzo, – 07 de Agosto, 2021 )

Alexander Calder reinventó la escultura como un experimento en el espacio y el movimiento, cambiando las nociones centenarias de que la escultura debe ser estática, arraigada y densa al crear obras de arte que a menudo se mueven libremente e interactúan con su entorno. "Uno de los objetos de Calder es como el mar", escribió el filósofo Jean-Paul Sartre, "siempre comenzando de nuevo, siempre nuevo". Al reunir las primeras figuras de alambre y madera, obras en papel, joyas, móviles en movimiento y esculturas abstractas monumentales, la exposición profundiza en toda la amplitud de la carrera y la inventiva de Calder.
Las obras de arte en constante cambio de Calder invitan a la atención sostenida del espectador; y el Museo de Arte Moderno ha proporcionado un escenario para este intercambio productivo desde que su obra se exhibió por primera vez aquí en 1930, pocos meses después de que el Museo abriera sus puertas. Esta exposición analiza el trabajo de Calder a través de la lente de esta conexión. A lo largo de los años de formación del MoMA, Calder, en su papel no oficial como "artista de la casa", fue llamado a producir varios trabajos por encargo, entre ellos Lobster Trap y Fish Tail, un móvil multicolor que cuelga en la misma escalera para la que fue hecho en 1939. Sus obras han sido un pilar de las galerías del Museo y del Jardín de Esculturas desde entonces.
Extraída de la colección del MoMA y aumentada con préstamos clave de la Fundación Calder, la exposición celebra a uno de los artistas más queridos del siglo XX y presenta obras pocas veces vistas, incluido el Man-Eater a gran escala con banderines, que se exhibirá en el Jardín de Esculturas por primera vez en más de 50 años después de una nueva conservación.






Los Totems de Miquel Barceló en la exposición del Museo Picasso Málaga. © Miquel Barceló, VEGAP, Málaga, 2021

MIQUEL BARCELÓ . Metamorfosis

Museo Picasso Málaga ( 27 Enero. - 26 Septiembre . 2021 )

El Museo Picasso Málaga presenta la exposición Miquel Barceló. Metamorfosis, que toma su nombre del célebre relato de Franz Kafka publicado en 1915, con cerca de cien obras realizadas entre 2014 y 2020 que podrán contemplarse desde el 27 de enero de 2021. Tras más de una década de ausencia en Málaga el artista reúne en exclusiva una selección de obras realizadas en los últimos años: treinta cerámicas, trece pinturas, cuarenta y dos acuarelas, seis cuadernos de viaje y una pequeña escultura; así como una instalación compuesta por siete bronces de gran tamaño que se ha instalado en el patio central del museo.

La mutación, la movilidad y la transición son algunas características propias en la obra del artista mallorquín, cuyo mundo creativo verifica una permanente metamorfosis desde el principio de su trayectoria. El paso del tiempo y la alquimia de los materiales destacan como elementos del hilo conductor de esta muestra que cuenta con la colaboración de Fundación “la Caixa”.

La exposición Miquel Barceló. Metamorfosis, comisariada por Enrique Juncosa, pone la atención en la condición cultural trashumante del artista, a la vez que supone un planteamiento crítico de la creación entendida como proyecto de progreso ilimitado: cada una de sus obras nos lleva a otra, en un proceso de reinvención cíclica. Partiendo de la realidad que mira, vive, lee e imagina las representaciones incluyen matices sociológicos o ecológicos, al mismo tiempo que expresan una apasionada vida interior. Su obra ha sido expuesta en prestigiosas instituciones de todo el mundo como el Museo de Prado, Madrid; el Musée du Louvre, Paris; o la Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma, entre otras.

Al igual que para Pablo Picasso, también para Barceló la cerámica, la pintura o el dibujo son variaciones, experimentos de un todo: “Cada obra es experimental, cada obra es un ensayo para otra, que no existirá probablemente jamás, y eso creo que es tan válido para mi pintura como para mi cerámica o para cualquier cosa que salga de mi mano”. Afirma el mallorquín que lo que ha recibido de Picasso es “una especie de influencia genérica, una manera de relacionarse con la vida, una forma de estar en el mundo”. La reanudación constante de la búsqueda, la versatilidad en la exploración de nuevos soportes, la interrelación entre diversas técnicas y periodos artísticos, una manera de trabajar incesante y vertiginosa, la riqueza cromática, el discurso con la gran tradición, la fascinación por la mitología y el simbolismo arcaico de la tauromaquia o las ilustraciones de libros, hermanan de alguna manera a estos dos artistas españoles, tan cosmopolitas como hijos del Mediterráneo, artífices de un arte tan primitivo como irresistiblemente moderno.






Vasily Kandinsky Líneas negras (Schwarze Linien), diciembre de 1913 Óleo sobre lienzo, 130,5 × 131,1 cm Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Fundacional Solomon R. Guggenheim, por donación 37.241 © Vasily Kandinsky, VEGAP, Bilbao 2020

KANDINSKY

Museo Guggenheim Bilbao ( 20 de Noviembre, 2020 - 23 de Mayo, 2021 )

Pionero de la abstracción y reconocido teórico de la estética, Vasily Kandinsky (Moscú, 1866–Neuilly-sur-Seine, Francia, 1944) es uno de los artistas más innovadores de comienzos del siglo XX. Su propósito de liberar a la pintura de sus vínculos con el mundo natural le llevó a descubrir una temática nueva basada únicamente en la “necesidad interior” del artista, cuestión que le acompañaría toda su vida.

Durante las décadas de 1900 y 1910, cuando vivía en Múnich, Kandinsky comenzó a explorar las posibilidades expresivas del color y la composición. Sin embargo, el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 le obligó a abandonar Alemania. Al regresar a su Moscú natal, el vocabulario pictórico de Kandinsky empezó a reflejar los experimentos de corte utópico de la vanguardia rusa, que otorgaban gran importancia a las formas geométricas con el propósito de establecer un lenguaje estético universal. Posteriormente, Kandinsky se unió como docente a la Bauhaus, la escuela de arte y diseño con la que compartía su convicción de que el arte es capaz de transformar al ser humano y a la sociedad. Nuevamente obligado a abandonar Alemania cuando la Bauhaus fue clausurada bajo la presión de los nazis en 1933, Kandinsky se afincó en las afueras de París, donde la influencia del Surrealismo y las ciencias naturales se hizo patente en el empleo del biomorfismo en su iconografía.






The Pont-Neuf Wrapped (Project for Paris) ©Christo et Jeanne-Claude

CHRISTO AND JEANNE-CLAUDE - Paris !

Centre Pompidou - Paris ( 1 Julio - 19 Octubre, 2020 )

A partir de 1975, Christo y Jeanne-Claude desarrollaron la idea de envolver el Pont-Neuf en París en una lona de poliamida color arenisca dorada, que cubriría los lados y las bóvedas de los doce arcos del puente, los parapetos, los bordes y el senderos (el público podía caminar sobre el lienzo), sus 44 lámparas y las paredes verticales de la isla central del extremo occidental de la Île de la Cité y la Esplanade du Vert-Galant.

La mayor exposición dedicada a Christo y Jeanne Claude vuelve a trazar la historia de este proyecto, de 1975 a 1985, y mira hacia atrás en su etapa parisina, entre 1958 y 1964, antes de la envoltura del arco del triunfo en 2021.






Vista de la exposición @ Foto H Krause

BECHTOLD

MKM Museum Küppersmühle of Modern Art, Duisburg ( 11 de Marzo - 24 de Mayo, 2020 )

Análogo a un arquitecto, construyo mis cuadros. El hombre se encuentra en el corazón de mi trabajo, y vive, al igual que la Naturaleza, en contrastes, tensiones e interrupciones. Estamos inmersos existencialmente en la interacción natural del desorden ordenado y el orden desordenado. Mis imágenes constituyen un intento de traducir esta insondabilidad compleja en realidad artística. [Erwin Bechtold]
 
En las propias palabras de Ewin Bechtold, los contrastes han sido una fuente constante de fascinación para él e informan cada imagen exitosa. Esto se manifiesta en la estricta reducción de su paleta a blanco y negro, y se extiende a la deconstrucción de formas geométricas. Por lo tanto, fluyen en sus obras el marcado contraste entre la deslumbrante sombra oscura del sur del Mediterráneo, y la tensión inherente entre la geometría y la artesanía en la arquitectura cúbica de la isla de Ibiza. Los títulos de obras como Discordia describen el sistema en el que opera Bechtold: el orden solo está ahí para ser interrumpido.
El resultado es una obra que exige una fascinación duradera en virtud de su rigor artístico, su presencia espacial y la tensión entre la emocionalidad y la racionalidad.

Participante de la documenta de 1968, sus pinturas y obras gráficas están representadas en muchas colecciones y museos importantes de todo el mundo, incluida la Fundació Joan Miró (Barcelona), el Museo Nacional Reina Sofía (Madrid), la Colección Federal de Arte Contemporáneo, (Bonn) , Museo Ludwig (Colonia), Museo Von der Heydt (Wuppertal), Tate Gallery (Londres), Museo de Arte Carnegie (Pittsburgh / EE. UU.) , The Graphic Art Collection del Albertina Museum (Viena), algunas de sus obras también figuran en la Colección Ströher (Duisburg / Darmstadt).






Visita de la exposición @ARCOmadrid 2020

ARCOmadrid 2020

Ifema Feria de Madrid ( 26 de Febrero - 01 de Marzo, 2020 )

ARCOmadrid es la Feria Internacional de Arte contemporáneo de Madrid. Una de las principales ferias de arte contemporáneo del circuito internacional que se celebra anualmente en el mes de febrero en la capital española.

ARCOmadrid 2020 presenta de nuevo una cuidada selección de galerías nacionales e internacionales, tanto en el Programa General como en las secciones Diálogos, comisariada por Agustín Pérez-Rubio y Lucia Sanromán; Opening, comisariada por Tiago de Abreu Pinto y Övül ö. Durmusoglu y It’s Just a Matter of Time comisariada por Alejandro Cesarco, Mason Leaver-Yap y Manuel Segade en el programa discursivo.

Junto a los contenidos de las galerías, ARCOmadrid presenta otros espacios que amplían la visión de los visitantes entorno al arte contemporáneo.






Vista de la exposición © FMGB Guggenheim Bilbao Museoa, 2020

OLAFUR ELIASSON - En la vida real

Museo Guggenheim Bilbao ( 14 de Febrero - 21 de Junio, 2020 )

El artista danés-islandés Olafur Eliasson (n. 1967) sitúa la experiencia del espectador en el núcleo de su arte. Olafur Eliasson: en la vida real lleva nuestra atención hacia algunas de las cuestiones más candentes de la actualidad a través de una treintena de piezas realizadas entre 1990 y el momento presente: esculturas, fotografías, pinturas e instalaciones que juegan con reflejos y colores, y desafían la manera en que percibimos nuestro entorno y nos movemos en él. Empleando materiales como musgo, agua, hielo procedente de glaciares, niebla, luz o metales reflejantes, Eliasson anima a los visitantes a reflexionar en torno a la comprensión y percepción del mundo físico en el que están inmersos.

El arte de Eliasson procede de su interés por la percepción, el movimiento, la experiencia física y las sensaciones. Entre las claves de su práctica se incluyen su preocupación por la naturaleza, inspirada por el tiempo que pasó en Islandia; su investigación sobre la geometría; y sus indagaciones en curso sobre cómo percibimos, sentimos y damos forma al mundo que nos rodea. Su estudio de Berlín, Studio Olafur Eliasson, es un espacio de trabajo, pero también de encuentro y diálogo, que reúne a un equipo variado de experimentados artesanos, arquitectos, archiveros, investigadores, administradores, cocineros, programadores, historiadores del arte y técnicos especializados.

La práctica de Eliasson se extiende más allá de la obra de arte, la exposición y la intervención pública para incluir proyectos arquitectónicos. Convencido de que el arte puede tener un poderoso impacto sobre el mundo trascendiendo las fronteras del museo, Eliasson ha creado lámparas solares para comunidades sin electricidad, ha concebido talleres artísticos para refugiados y solicitantes de asilo, ha ideado instalaciones artísticas cuyo fin es incrementar la concienciación sobre la emergencia climática y en octubre de 2019 fue nombrado Embajador de Buena Voluntad del Programa de las Naciones Unidas para el Desarrollo. Según Olafur Eliasson, “el arte no es el objeto, sino lo que el objeto hace al mundo”.






More Sweetly Play the Dance ©William Kentridge

WILLIAM KENTRIDGE - More Sweetly Play the Dance

Arsenale Amalfi (Italia) (09.02.2020 – 12.02.2020)

Una muestra de una figura importante en la escena del arte contemporáneo marca la reapertura y restauración de los espacios de exhibición atmosféricos del Arsenale en Amalfi, el lugar
para la innovadora exposición Arte Povera più Azioni Povere celebrada a finales de la década de 1960.
Con sus obras de vanguardia, el evento llevó el arte italiano a la arena internacional con un movimiento que sigue siendo una piedra de toque para la investigación y la creatividad.
More Sweetly Play the Dance de William Kentridge es el evento elegido para celebrar la memoria en este espacio.






Dorothea Lange. Kern County, California, November 1938. Gelatin silver print, printed 1965. 12 7/16 x 12 1/2" (31.6 x 31.7 cm).

DOROTHEA LANGE - Words & Pictures

Museum of Modern Art - New York ( 9 de Febrero - 9 de Mayo )

Hacia el final de su vida, Dorothea Lange (1895–1965) reflexionó: “Todas las fotografías, no solo las que se llaman 'documental' ... pueden ser fortificadas con palabras”. Lange, una observadora social comprometida, prestó mucha atención a la condición humana, transmitiendo historias de la vida cotidiana a través de sus fotografías y las voces que dibujaron. Dorothea Lange: Words & Pictures, la primera gran exposición del MoMA de Lange en 50 años, reúne obras icónicas de la colección junto con fotografías menos vistas, de fotografía callejera temprana para proyectos de reforma de la justicia penal. Las complejas relaciones del trabajo con las palabras muestran el interés de Lange en el poder del arte para generar conciencia pública y conectarse con narraciones íntimas en el mundo.

En su histórico libro de fotos de 1939 An American Exodus, un foco central del espectáculo, Lange experimenta combinando palabras e imágenes para transmitir el impacto humano de la migración de Dust Bowl. Concebido en colaboración con su esposo, el economista agrícola Paul Taylor, el libro entrelaza notas de campo, letras de canciones populares, extractos de periódicos y observaciones de sociólogos contemporáneos. Estos están acompañados por un coro de citas en primera persona de los aparceros, las familias desplazadas y los trabajadores migrantes en el centro de sus fotos. Al presentar el trabajo de Lange en sus diversos contextos (fotolibros, informes gubernamentales de la era de la Depresión, periódicos, revistas, poemas), junto con las voces de artistas, escritores y pensadores contemporáneos, la exposición ofrece una comprensión más matizada de la vocación de Lange.






Vista de la exposición

ROBERT MOTHERWELL - Collages

Centro de Arte Contemporáneo de Málaga ( 7 Febrero - 17 Mayo de 2020 )

El CAC Málaga presenta la exposición Collages de Robert Mo- therwell (Aberdee, EE. UU , 1915 – Princetown, EE. UU. , 1991), la primera en España dedicada exclusivamente a esta técnica. La muestra está compuesta por casi una treintena de obras, varias su- peran el metro de amplitud.
Motherwell fue un pintor, grabador y editor americano. Influen- ciado en sus inicios por el automatismo surrealista, pasó a ser figura destacada y teórico del expresionismo Abstracto. Fue un miembro más de la llamada Escuela de Nueva York junto a artis- tas tan reconocidos como Jackson Pollock, Mark Rothko y Willem de Kooning. En esta Escuela se creó un movimiento en el que triunfó la pintura como mapa de experimentación plástica basada en el trabajo sobre su propio medio: el color y las dos dimensiones del plano pictórico.

Las obras seleccionadas para esta exposición forman parte del pe- riodo de mayor madurez dentro de su trayectoria, el que se corres- ponde con los años sesenta, setenta y ochenta. Estas producciones sui géneris las afrontaba con optimismo y convencimiento; son es- pacios que facilitan la elipsis y el giro súbito, una situación que origi- na consecuencias imprevistas y permiten posibilidades opuestas al gesto con el pincel. Requieren una actitud contemplativa y saber mirar fuera de manera abierta, viendo las cosas con distancia, sin atender su sentido inmediato o utilidad, valorando ante todo su ca- pacidad para trascender.






Miquel Navarro / Apoyado II, 2003. Institut Valencià d'Art Modern, Generalitat. Donación del artista. © Miquel Navarro, VEGAP, Valencia, 2020.

Caso de Estudio. El gabinete secreto de Miquel Navarro

IVAM, Institut Valencià d'Art Modern ( 30 de Enero 2020 - 31 de Mayo 2020 )

Miquel Navarro (Mislata, 1945) formó parte del grupo de artistas que a finales de los años 70 renovó el lenguaje de la escultura. Sus grandes instalaciones de ciudades hacen referencia al modo en el que estos espacios pueden convertirse en símbolos de poder, son lugares que acogen pero que también participan de la autoridad que domina y controla. Algo similiar sucede con sus tótems monumentales, máquinas antropomorfas, son a la vez deidades protectoras y dioses amenazantes. Sin embargo, en sus dibujos, esta dimensión supuestamente universal se hace íntima. Sus acuarelas resultan más inmediatas y responden a lo que él mismo ha definido como “el fluir de la vida”.

Muchos de sus dibujos tienen un claro componente erótico que no ha sido lo suficientemente destacado en las exposiciones que se han hecho de su obra. Son obras que hablan del deseo, un deseo que se resuelve, en ocasiones, en placer, pero también un deseo que hiere, que pincha, como se evidencia en los falos y las vulvas cactus que aparecen en algunos de sus dibujos. Esta exposición quiere construir un gabinete secreto, como los que aún quedan en algunos museos arqueológicos, en los que los dibujos de Miquel Navarro convivan con piezas de arte africano o con obras de arte antiguo, todas con un componente erótico, que ayuden también a contextualizar algunos de sus intereses más directos.






Christian Boltanski, Album de photos de la famille D., 1939-1964 (1971 @)Musée d'art moderne et contemporain de Saint-Étienne Métropole. Photo Yves Bresson

CHRISTIAN BOLTANSKI - Cumplir una etapa

Musée National d’Art Moderne, Centre Pompidou. Paris ( 13 Noviembre 2019 - 16 Marzo 2020 )

A través de una cincuentena de obras que acompasan el recorrido de Christian Boltanski, esta amplia travesía por la obra de una de las mayores figuras de la creación de nuestra época permite medir su amplitud y ambición, marcadas por su historia y por medio siglo de meditaciones sobre la función y la voz del artista en nuestras sociedades.

Treinta y cinco años han pasado desde la primera exposición de Christian Boltanski en el Centre Pompidou. Concebida por el propio Boltanski como una amplia deambulación en el corazón de su obra, esta nueva exposición no pretende tanto ser una retrospectiva como una serie de secuencias que marcan las etapas y las metamorfosis de su propósito.






Vista de la exposición Miguel Ángel Campano. D’après

MIGUEL ÁNGEL CAMPANO - D’après

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( 6 noviembre, 2019 - 20 abril, 2020 )

A través de una selección de más de 100 obras realizadas a partir de 1972, esta exposición ofrece un recorrido retrospectivo de la pintura de Miguel Ángel Campano (Madrid, 1948 – Cercedilla, Madrid, 2018). Esta muestra, el último proyecto expositivo en el que participó directamente el artista, transitará los problemas, procesos y recursos en los que este centró su atención. Sin conducirlos nunca por el canal de un estilo, Campano fue articulando ciclos extensos que se sucedían; de manera que contar su obra, en sus múltiples formas, siempre requiere enunciar un «y después», un après. Atendiendo a esta sucesión, la muestra dará también cuenta de las constantes en la trayectoria del artista, marcada por el impulso emocional, así como por el acercamiento analítico y culto a la propia pintura.

El de Campano fue también, a menudo, un enfoque referencial: al observar y pintar la pintura del pasado, pintaba —según la expresión francesa— d'après Eugène Delacroix o Nicolas Poussin, conociéndose como sucesor de los lenguajes que la historia del arte había puesto a disposición de los artistas. Si bien sus lienzos d'après no son meramente un «según» el pintor estudiado, sino más bien un «a partir de», un «partiendo de» que desencadena una fuga de Campano desde el canon. Igualmente despegan, respecto del referente objetivo, sus trabajos desde el natural —d’après nature—. En definitiva, en ese d'après que es el quehacer de Miguel Ángel Campano, el «según» a secas solo cabe para su pintura misma, y la exposición se resume como un muestrario de pintura según el artista, museo de cuadros d'après Campano.






Wassily Kandinsky. Delicate Tension No. 85, 1923. Acuarela y tinta sobre papel 35.5 x 25 cm © Wassily Kandinksy, VEGAP, Madrid

La Bauhaus en las colecciones Thyssen

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza - Madrid ( 28 Octubre 2019 - 12 de Enero 2020 )

Para conmemorar el centenario de la Bauhaus, el Museo Thyssen Bornemisza está organizando una pequeña exposición con obras de artistas históricamente asociados a la escuela y parte de la colección permanente del museo.

Ubicada en el balcón del primer piso del museo, la exposición dedica especial atención a las obras creadas en el período en que la Bauhaus estuvo activa (1919-1933) y, algunas de las cuales se han exhibido en exposiciones organizadas por la escuela. Por lo tanto, el proyecto, comisariada por el equipo curatorial del museo, incluye la publicación de un breve catálogo explicativo.

La Staatliche Bauhaus, que significa Casa de Construcción del Estado, fue la escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada por Walter Gropius en 1919 en la ciudad de Weimar (Alemania). Mejor conocido como simplemente Bauhaus, fue cerrado por el Partido Nazi en 1933, lo que llevó a muchos de sus miembros a mudarse a los Estados Unidos.






Nam June Paik TV Eyeglasses 1971 Collection & © The Estate of Nam June Paik. Fotografía © Liam Man

NAM JUNE PAIK

Tate Modern - Londres (17 Octubre 2019 – 9 Febrero 2020 )

El trabajo experimental, innovador y lúdico de Nam June Paik ha tenido una profunda influencia en el arte y la cultura de hoy. Fue pionero en el uso de la televisión y el video en el arte y acuñó la frase "autopista electrónica" para predecir el futuro de la comunicación en la era de Internet.
Esta gran exposición es una revuelta hipnótica de imágenes y sonidos. Reúne más de 200 obras de su carrera de cinco décadas, desde robots hechos con pantallas de TV antiguas, hasta sus innovadores trabajos de video e instalaciones de tamaño de sala que abarcan todo, como la deslumbrante Capilla Sixtina de 1993.

Nacido en Corea del Sur en 1932, pero viviendo y trabajando en Japón, Alemania y Estados Unidos, Paik desarrolló una práctica artística colaborativa que cruzó fronteras y disciplinas. La exposición analiza su estrecha colaboración con la violonchelista Charlotte Moorman. También destaca las alianzas con otros artistas, músicos, coreógrafos y poetas de vanguardia, incluidos John Cage, Merce Cunningham y Joseph Beuys.
Exposición organizada por Tate Modern y el Museo de Arte Moderno de San Francisco en colaboración con el Museo Stedelijk de Amsterdam, el Museo de Arte Contemporáneo, Chicago y la Galería Nacional de Singapur.






Giuseppe Penone, Matrice, 2015 Madera de abeto, bronce 110 x 250 x 3000 cm foto © Archivio Penone

GIUSEPPE PENONE . La incidencia del vacío

Castello di Rivoli Museum of Contemporary Art - Torino ( 12 de Octubre 2019 - 2 de Febrero 2020 )

Giuseppe Penone. La incidencia del vacío proviene de la colaboración entre la Fundación CRC y el Museo de Arte Contemporáneo Castello di Rivoli. Concebida como un proyecto de exposición compartido entre las dos instituciones en el Complejo Monumental de San Francesco en Cuneo y en el jardín del Castello di Rivoli, la exposición presenta el corazón de la investigación del artista Giuseppe Penone (Garessio, 1947). Una reflexión sobre la dualidad entre lo vacío y lo lleno como partes constitutivas y materiales de su trabajo artístico, a través de una selección precisa de obras que conectan las dos ubicaciones, en un sofisticado juego de yuxtaposiciones y referencias. Hoy, entre los escultores más importantes y reconocidos del mundo, el artista surgió a finales de los años sesenta en el contexto del Arte Povera.
Entre los movimientos artísticos más importantes e innovadores del siglo XX a nivel internacional, Arte Povera tiene su origen en el Piamonte, de donde proviene un núcleo importante del grupo de artistas. El Arte Povera generalmente se define como un arte de materiales y técnicas heterogéneos y "pobres". Más importante que este aspecto, los artistas están interesados ​​en crear situaciones reales de energía, en las que la naturaleza y la cultura no son opuestos. Hoy el Arte Povera, y en particular el trabajo de Penone, goza de un renovado interés, también vinculado a la apreciación de esa libertad artística e interés por la naturaleza presente en él.
El arte de Penone explora los fundamentos de la escultura como una forma de conocer y comprender empíricamente el mundo. Su arte se basa en el principio de encarnar una conciencia física, táctil y visual de todos los organismos y sus transformaciones. Penone percibe el mundo y la vida de una manera escultórica, tocando y acariciando sus partes constituyentes. Incluso el acto de respirar es una forma de escultura automática, producida sin darse cuenta. La escultura se refiere al tallado, la excavación y la producción de huecos o, por el contrario, se refiere a la fusión, duplicación y multiplicación, a través de una serie de pasos, de positivo a negativo, de la forma que se duplica o copia. Tanto la suma como la resta tienen lugar a través de gestos de encuentro y, por lo tanto, a través de relaciones de intención entre lo humano y la materia, entre lo humano y lo no humano.






Jean Dubuffet / Henri Michaux acteur japonais, 1946. Óleo sobre lienzo 130 x 97cm Collection Financière Saint James, París / Cortesía Applicat-Prazan © Jean Dubuffet, VEGAP, Valencia, 2019

JEAN DUBUFFET - Un bárbaro en Europa

IVAM, Institut Valencià d'Art Modern ( 8 de Octubre 2019 - 16 de Febrero 2020 )

La muestra está comisariada por Baptiste Brun, y consta de una cuidada selección de alrededor de doscientas obras, entre pinturas, dibujos, esculturas, grabados, así como numerosa documentación y objetos que nos permitirán ofrecer al público una aproximación a la obra de Jean Dubuffet a partir de una nueva perspectiva basada en la historia, la cultura y la antropología. El proyecto se desarrolla en diez secciones distintas que giran alrededor de tres ejes fundamentales: Célébration de l’homme du commun, Une ethnographie en acte y Critique de la Culture. » Exposición está concebida y realizada por el MUCEM en coproducción con el IVAM y el MEG. Este proyecto cuenta con el apoyo de la Fondation Dubuffet en París y la Collection de l’Art Brut en Lausana, así como de numerosas instituciones y colecciones particulares europeas.






@ Bill Viola

BILL VIOLA - Espejos de lo imposible

La Pedrera - Casa Milà - Barcelona ( 4 de Octubre 2019 - 5 de Enero 2020 )

Bill Viola (Nueva York, 1951) es uno de los artistas más destacados y más prestigiosos del panorama internacional. Considerado uno de los pioneros del videoarte, utiliza con maestría sofisticadas tecnologías audiovisuales para explorar y expresar una preocupación constante por la naturaleza del ser humano y la transitoriedad de la vida.

Centrado en cuestiones universales como el nacimiento, la muerte, el dolor, la redención o el paso del tiempo, sus trabajos abren camino a los sentidos para vehicular sentimientos y generar estados de ánimo. En sus creaciones sin palabras la imagen se siente, se escucha, remueve y desvela profundas emociones. El movimiento ralentizado y en bucle sumerge al espectador en un mundo interior, profundizando en las experiencias fundamentales de la existencia para «despertar el alma». Sus obras, de una intensidad y una belleza extraordinarias, son únicas y siempre nos conmueven.

La exposición «Bill Viola. Espejos de lo invisible» ofrece un amplio recorrido por la trayectoria del artista, que ha evolucionado paralelamente al desarrollo de la tecnología del vídeo a lo largo de los últimos cuarenta años, y abarca desde obras significativas de sus inicios, como The Reflecting Pool (1977-1979), hasta creaciones recientes como Martyrs (Earth, Air, Fire, Water), un encargo realizado por la catedral de Saint Paul de Londres, donde se exhibe de manera permanente desde 2014.






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