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Vista de la instalación de la exposición Mark Rothko, galería 5, nivel 1, sala Seagram MuralsParis.© 1998 Kate Rothko Prizel & Christopher Rothko - Adagp,Paris, 2023

MARK ROTHKO

La Fondation Louis Vuitton ( Paris ) ( 18.10.2023 - 02.04.2024 )

La exposición comienza con escenas íntimas y paisajes urbanos –como visiones del metro de Nueva York– que dominan la producción de Rothko en la década de 1930, antes de su transición a un repertorio inspirado en mitos antiguos y el surrealismo que Rothko utiliza para expresar la dimensión trágica de lo humano. condición durante la guerra.
A partir de 1946, Rothko da un importante giro hacia el expresionismo abstracto. La primera fase de este cambio es la de Multiformas, donde masas cromáticas quedan suspendidas en una especie de equilibrio sobre el lienzo. Poco a poco, estos disminuyen en número, y la organización espacial de su pintura evoluciona rápidamente hacia las obras “clásicas” de Rothko de los años 50, donde las formas rectangulares se superponen según un ritmo binario o ternario, caracterizado por tonos de amarillo, rojo, ocre, naranja, pero también azul, blanco…

En 1958, Rothko recibe el encargo de producir una serie de pinturas murales para el restaurante Four Seasons diseñado por Philip Johnson para el edificio Seagram de Nueva York, cuya construcción está supervisada por Ludwig Mies van der Rohe. Más tarde, Rothko decide no entregar las pinturas y se queda con la serie completa. Once años después, en 1969, el artista dona nueve de estos cuadros –que se diferencian de los anteriores por sus intensos tonos rojos– a la Tate Gallery, que dedica una sala de sus colecciones exclusivamente a Rothko. Esta serie se presenta excepcionalmente en la exposición de la Fundación.
En 1960, la Colección Phillips dedica una sala permanente, la primera “Sala Rothko”, al artista. La sala está diseñada en estrecha colaboración con él y también aparece en la exposición. En 1961, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organiza la primera gran retrospectiva, exposición que posteriormente viaja por varias ciudades europeas (Londres, Basilea, Ámsterdam, Bruselas, Roma y París). En la década de 1960, Rothko acepta otros nuevos encargos, entre los que destaca la capilla John y Dominique de Menil en Houston, que se inaugura en 1971 y recibe el nombre de Capilla Rothko.

Si bien Rothko prefiere los tonos más oscuros y los contrastes apagados desde finales de los años cincuenta, el artista nunca abandona por completo su paleta de colores brillantes, como lo demuestran varios cuadros de 1967 y el último cuadro rojo que quedó inacabado en su estudio. Incluso en el caso de la serie Black and Grey de 1969-1970, es mejor evitar una interpretación simplista de la obra, asociando el gris y el negro con la depresión y el suicidio.Estas obras se exhiben en la sala más alta del edificio Frank Gehry, junto a las figuras escultóricas de gran escala de Alberto Giacometti, creando un ambiente cercano a lo que Rothko tenía en mente para un encargo de la UNESCO que nunca se realizó. La permanencia del cuestionamiento de Rothko, su deseo de un diálogo sin palabras con el espectador y su negativa a ser visto como un “colorista” son elementos que permiten una nueva interpretación de su trabajo multifacético en esta exposición.






Ron Mueck. Mass, 2017 Photo © Marc Domage

RON MUECK

The Fondation Cartier pour l’art contemporain - Paris ( 08/06 - 05/11 2023 )

Nacido en Melbourne en 1958 y viviendo en el Reino Unido desde 1986, Ron Mueck ha desarrollado un cuerpo de trabajo que toca lo universal y ha renovado profundamente la escultura contemporánea. Sus personajes asombrosos y convincentes, siempre esculpidos en una escala asombrosa, tardan meses, o incluso años, en crearse. De un período de poco más de veinticinco años, su obra total consta de 48 obras, la más reciente que se completó a tiempo para la inauguración de esta exposición.
Las obras de Ron Mueck, a la vez profundamente misteriosas y extremadamente genuinas, imbuyen la realidad de una cualidad onírica que nos invita a confrontar nuestra propia relación con el cuerpo y, más ampliamente, con la existencia.

En su escala y ambición, la instalación monumental Mass es la pieza central de la exposición y representa un hito en la carrera del artista. Encargada por la Galería Nacional de Victoria (Melbourne, Australia) en 2017, Mass comprende cien cráneos humanos gigantes apilados y reconfigurados por el artista para cada lugar. La instalación ofrece una experiencia física y psicológica que cautiva a los visitantes y los invita a reflexionar sobre aspectos fundamentales de la existencia humana. El título por sí solo permite vislumbrar las diversas interpretaciones de la obra. Los múltiples significados de la palabra “misa”, desde el montón desordenado hasta la ceremonia religiosa formal, son puntos de partida para el encuentro personal de cada espectador.
La iconografía del cráneo es en sí misma ambigua; asociado con la brevedad de la vida humana en la historia del arte y omnipresente en la cultura popular. Para Mueck, “El cráneo humano es un objeto complejo. Un ícono gráfico potente que reconocemos de inmediato. A la vez familiar y exótico, repele y atrae a la vez. Es imposible ignorarlo, exigiendo nuestra atención a un nivel subconsciente”.






Vista de una de las salas de la exposición © Museo Picasso Málaga

PICASSO ESCULTOR . Materia y cuerpo

Museo Picasso Málaga ( 09/05 -10/09 2023 )

Aparentemente la escultura de Picasso se vio eclipsada por sus pinturas y jugó un papel secundario en su fértil trayectoria artística. La primera exposición en la que se mostró su escultura fue en Hommage à Pablo Picasso en el Grand Palais y Petit Palais en París en 1966. Al año siguiente, la Tate Gallery de Londres organizó otra muestra dedicada principalmente a su escultura; hasta entonces, su obra en tres dimensiones había recibido escasa atención crítica. Sin embargo, para Picasso la escultura no era una cuestión secundaria, sino una forma de expresión equiparable a la pintura. Según Pierre Daix: “fue al menos tan gran escultor como pintor, y para él estas dos vertientes de su trabajo fueron siempre complementarias, pues había descubierto muy pronto que el paso de una a otra le permitía precisamente determinar lo que es pintura y lo que es escultura”

Picasso escultor. Materia y cuerpo es la primera gran exposición en España dedicada a esta faceta picassiana. La selección de obras quiere subrayar el papel central que tuvo para el artista malagueño la representación del cuerpo humano entendido como totalidad y también como fragmento.
Al igual que en el resto de su producción artística, la escultura de Picasso se distingue por la innovación y el uso de técnicas y materiales poco ortodoxos. El desarrollo de su obra se entiende como una alternancia entre el modelado y la construcción, bien en hierro soldado, en madera o chapa de metal, incorporando el vacío como un nuevo elemento que fue crucial para la escultura moderna. La interrelación que llevó a cabo entre las diversas disciplinas artísticas está presente en los principios cubistas de su pintura que traslada a las tres dimensiones en la escultura; o en el uso de materiales encontrados que al igual que en sus collages, utiliza para crear obras tridimensionales. Dibujos y planos de papel recortado en dos dimensiones se traducen a hojas de metal que se doblan hasta elevar su volumen. La chapa recortada y doblada sería el último material con el que Picasso se define como escultor, que trasladada al hormigón o al acero corten dará lugar a obras monumentales a escala arquitectónica.






Talking Continents III» (2014), @ Jaume Plensa. Foto : Clara Huguet

JAUME PLENSA - Poesía del silencio

Fundación Catalunya La Pedrera . Casa Mila (Barcelona) ( 31/03/2023 -l 23/07/2023 )

Una exposición única para descubrir el Plensa más íntimo y desconocido. Se muestra, por primera vez, la influencia que ha tenido la literatura, el lenguaje y el alfabeto en su obra
Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es uno de los escultores más reconocidos internacionalmente en el panorama de la escultura contemporánea de finales del siglo XX al XXI. Su trabajo actual se centra en la figura humana, en la que confluyen dos vectores esenciales: la materia y la palabra. La exposición en La Pedrera, que abarca su producción desde 1990 hasta la fecha, destaca algunos aspectos clave de la obra de Plensa como escultor y se articula en torno a las relaciones entre el universo creativo del artista y la letra como elemento constitutivo de su obra.

Esta relación de Plensa con la literatura, y en especial con la poesía, es el hilo conductor de esta muestra, en la que también están presentes otras temáticas recurrentes en su trayectoria como el silencio, el sueño, la música y la familia.
Para el artista cada letra tiene una belleza única, pero todas juntas son una muestra de la diversidad del mundo y la convivencia entre diferentes culturas. Tal y como explica «una letra no parece nada, es algo humilde, pero unido a otros forman palabras, y las palabras forman textos y los textos, pensamiento. Es un poco la idea de la piedra fundacional, en torno a la cual se construye el templo, después la ciudad, el país, el continente y el universo».






Pablo Palazuelo, Paisaje IV, 1996. Aluminio, 41 x 128 x 88 cm. © Fundación Pablo Palazuelo, 2023

PABLO PALAZUELO - La línea como sueño de arquitectura

Museo ICO ( Madrid ) 15/02 - 07/05 2023

En esta exposición, Pablo Palazuelo. La línea como sueño de arquitectura, se reúnen por primera vez las doce obras y los doce proyectos más representativos que ilustran la aproximación más directa que operó Pablo Palazuelo entre sus investigaciones geométri­ cas y la arquitectura. La singularidad de esta mues­ tra, centrada en la vertiente más arquitectónica de su obra, solamente ha sido posible a partir del descubri­ miento de las legiones de bocetos y croquizaciones inéditos que Palazuelo guardaba celosamente.
Unos documentos que actualmente custodia la Fundación Pablo Palazuelo y que ejemplarizan un proceso de trabajo que plantea una asombrosa si­ militud con el desarrollado en un proyecto arqui­ tectónico. A partir de estos bocetos se han podi­do perfilar las diversas etapas hasta reconstruir su método creativo, donde destaca el intenso uso de papeles translúcidos y de trazos de grafito. El pro­tagonismo de sus composiciones reside en la línea. Un trazo dotado de una componente poética herede­ra de la “línea que sueña” de Paul Klee, una cita que Palazuelo solía repetir y que sirve de origen para el título de la exposición.

El fundamento teórico en que se basa esta muestra se cimienta en la tesis doctoral titulada Análisis de la geometría de Pablo Palazuelo desde la visión del arquitecto, que desvela los vínculos existentes entre el proceso geométrico empleado por este artista y el método arquitectónico. Constituye un trabajo donde se desarrollaron estudios gráficos de los distintos diseños de Palazuelo, que actualmen­te se están ampliando como trabajo de investigación elaborado en el ámbito de la Universidad Politécni­ca de Madrid. De esta manera, se está consolidando una línea de investigación cuyos resultados se es­tán divulgando en diversas publicaciones científicas donde se aborda el análisis de la obra de Palazuelo.






Lucian Freud Reflejo con dos niños (Autorretrato) 1965 Óleo sobre lienzo. 91 x 91 cm Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid © The Lucian Freud Archive. Todos los derechos reservados 2023/ Bridgeman Images

LUCIAN FREUD . Nuevas perspectivas

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ( 14 de febrero - 18 de junio de 2023 )

Con motivo del centenario del nacimiento del pintor británico Lucian Freud (1922-2011), el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la National Gallery de Londres presentan una exposición retrospectiva que reúne más de medio centenar de obras.
Freud, uno de los pintores figurativos más excepcionales de la modernidad, nació en Berlín, y en 1933, al llegar el nazismo al poder, emigró junto a su familia a Londres. En su juventud, el ambiente familiar le proporcionó una considerable y variada cultura: su padre era un arquitecto de renombre, su madre estudió historia del arte y su abuelo fue Sigmund Freud, el célebre creador del psicoanálisis. En su edad madura, el artista llegó a convertirse en una leyenda, debido a su trepidante vida personal, que se desarrolló tanto en ambientes aristocráticos como en los bajos fondos.

Desde un principio, Freud tomó partido por el arte figurativo centrándose en la representación de los seres humanos. El autorretrato, el retrato y el desnudo constituyeron el eje principal de su producción artística. Tradicionalmente su obra se ha vinculado a la denominada Escuela de Londres, que más que una escuela era un grupo de pintores figurativos afincados en la capital británica, como Francis Bacon, Frank Auerbach, Leon Kossoff o Michael Andrews.






Anish Kapoor, Mount Moriah at the Gate of the Ghetto, 2022, image © David Levene

ANISH KAPOOR

Galleria dell’Accademia & Palazzo Manfrin ( Venecia, Italia ) ( 20 Abril – 9 Octubre, 2022 )

La Gallerie dell'Accademia di Venezia ha organizado una ambiciosa presentación de trabajos retrospectivos y nuevos de Anish Kapoor, el artista británico famoso por explorar los límites y la materialidad del mundo visible a través de obras que trascienden su objetualidad e invitan a una interacción maravillosa y sustentadora. Otro lugar prestigioso, el histórico Palazzo Manfrin en el distrito de Cannaregio, complementa esta presentación con otra importante selección de obras a gran escala que desafían el género.
Comisariada por el historiador de arte Taco Dibbits, director del Rijksmuseum de Ámsterdam, esta exposición revela la gama completa y visionaria de la práctica de Kapoor, su sensibilidad pictórica y su destreza escultórica.

Anish Kapoor dijo: “La luz y el espacio de Venecia, y las glorias de la colección de la Accademia, han sido una inspiración para mí durante mucho tiempo. He llegado a amar esta ciudad y sus pintores, escultores y arquitectos, y me siento honrado de ser invitado a entablar un diálogo visual con ellos. Espero poder agregar algo al vocabulario de color y forma que ha sido el regalo de Venecia al mundo”.






Te llamaré hoja, 2005. © Soledad Sevilla

SOLEDAD SEVILLA - Te llamaré hoja

Pabellón Villanueva. Real Jardín Botánico ( Madrid )( 29 marzo - 22 mayo 2022 )

Soledad Sevilla (Valencia, 1944), que en 2020 recibió el Premio Velázquez de Artes Plásticas, decidió donar ese año una parte muy importante de su producción artística al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. La artista, afincada entre Granada y Madrid, siempre se ha sentido muy próxima a la escena artística andaluza. Además, entornos como La Alhambra o El Rompido han servido como fuentes de inspiración para algunas de sus series más conocidas. La exposición Soledad Sevilla. Te llamaré hoja cuenta con una selección de obras muy relacionadas con el entorno en el que se exponen: el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico de Madrid.

Por un lado, los secaderos de tabaco de la Vega de Granada y, por otro, una serie de obras que tienen a los muros vegetales como punto de partida. En ambas series la abstracción y la repetición, característica desde los inicios de su trayectoria, perviven y se acentúan para acabar proporcionando a estos paisajes cierto sentido naturalista. "La creación se estimula con la mirada", como señala la propia Soledad Sevilla, y así ocurrió con la visión de la arquitectura de unos secaderos, que son las primeras obras que se encuentran en el recorrido de la muestra y de donde parte una de las series pictóricas más importantes de su trayectoria. Como queda de manifiesto en la larga y fructífera carrera de Soledad Sevilla, la investigación constante y el incansable hacer demuestran que en la vida no todo es azar, puesto que la voluntad de conocimiento y su experiencia también determinan nuestro ser y estar en el mundo.






Vista de la instalación, Anselm Kiefer, Questi scritti, quando verranno bruciati, daranno finalmente un po’ di luce (Andrea Emo), 2022. © Anselm Kiefer. Cortesía Gagosian y Fondazione Musei Civici Venezia. @ Foto Andrea Avezzu

ANSELM KIEFER - Questi scritti, quando verranno bruciati, daranno finalmente un po’ di luce

Palazzo Ducale, Piazza San Marco ( Venecia ) ( 26 Marzo – 29 Octubre, 2022 )

Anselm Kiefer expone una serie de obras nuevas en una instalación de pinturas realizadas específicamente para el lugar en diálogo con uno de los espacios más importantes del Palacio Ducal, la Sala dello Scrutinio, y con la historia de Venecia.
"A veces sucede que hay una convergencia entre momentos pasados ​​y presentes, y cuando se encuentran uno experimenta algo parecido a la inmovilidad en el hueco de la ola que está a punto de romper. Habiéndose originado en el pasado pero perteneciente a algo en el fondo. más que ella, estos momentos son tanto parte del presente como del pasado, y lo que generan es muy importante.” Anselm Kiefer

El Palacio Ducal ha acogido a generaciones de artistas como Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Tiziano, Veronese, Tintoretto y muchos otros. El espacio monumental de la Sala dello Scrutinio, sede designada para la elección del Dux, está ricamente decorado con pinturas que celebran el poder de la Serenísima República de Venecia.
Las referencias filosóficas y literarias siempre han sido fundamentales para comprender la obra de Anselm Kiefer. La exposición lleva por título "Estos escritos, al quemarse, finalmente darán algo de luz" a partir de las palabras del filósofo veneciano Andrea Emo (1901-1983), cuyos escritos conoció Kiefer hace seis años. El método artístico de Kiefer tiene profundas consonancias con el pensamiento filosófico de Andrea Emo.
En la instalación del Palazzo Ducale, Kiefer también reflexiona sobre la posición única de Venecia, situada entre el norte y el sur, y sobre su interacción entre el este y el oeste, encontrando conexiones igualmente significativas entre las diferentes culturas, la historia de la ciudad y el texto de la obra trágica de Goethe Faust: Segunda parte (1832).






Lawrence Carroll, Vista de la exposición. MADRE Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina

LAWRENCE CARROLL

MADRE Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina (Napoli) ( 25 Marzo - 5 Septiembre 2022 )
La exposición, comisariada por Gianfranco Maraniello, es la primera antología del artista tras su muerte en 2019.
Lawrence Carroll (Melbourne 1954 - Colonia 2019) ha sido protagonista de la escena artística estadounidense y, al mismo tiempo, un intérprete cosmopolita de perspectivas poéticas que no se reducen a la historia de las vanguardias y las neovanguardias; su obra, de hecho, no se inscribe en una corriente artística específica, sino que indaga en la posibilidad misma de pintar después y más allá de la primacía de las escuelas y teorías que dominaron la segunda posguerra.

El itinerario expositivo requiere intentar adecuarse a la característica forma de montar sus exposiciones, que siempre ha privilegiado las relaciones espaciales y sentimentales de habitar los lugares por encima de la sucesión cronológica o la compartimentación temática de las obras en clasificaciones paralizantes como ha argumentado el propio Carroll al afirmar: "En mi pintura las formas siempre están cambiando, su misma ubicación en el espacio cambia, esta inquietud del pensamiento y del espíritu es lo que en cierto sentido hace que mis obras estén 'vivas' y las mantiene en movimiento".La exposición está organizada con la colaboración de Lucy Jones Carroll del Lawrence Carroll Archive.






Muta permuta (Mute permute) ©Jean Dubuffet

JEAN DUBUFFET - Ferviente Celebración

Museo Guggenheim Bilbao ( 25 Febrero - 21 Agosto, 2022 )

Al final de la Segunda Guerra Mundial, Jean Dubuffet (1901–1985) comenzó a exponer sus pinturas, que desafiaban los valores estéticos más arraigados. Rechazando los principios de decoro y belleza clásica, así como cualquier pretensión de pericia técnica, Dubuffet se centró en lo ordinario y en lo que a menudo pasa desapercibido, empleando en su obra materiales vulgares, temas prosaicos y un estilo que rehúsa todo signo externo de formación académica. Con esta visión, Dubuffet se enfrentaba a las normas, que, en su opinión, dificultaban la expresión auténtica y menospreciaban la experiencia cotidiana. Sin embargo, su objetivo no solo era revelar cuán anticuadas estaban las convenciones culturales, sino también ilustrar la vitalidad de una existencia libre de ellas. En una ocasión, el propio Dubuffet afirmó: “Me gustaría que la gente viera mi trabajo como una recuperación de valores desdeñados y [. . .], no se equivoquen, como una obra de ferviente celebración”.

A lo largo de su carrera, la producción artística de Dubuffet se caracteriza por un impulso festivo y también por su compromiso con la crítica de la cultura. Sus obras de las décadas de 1940 y 1950 invitan al público a cuestionarse profundamente el concepto de belleza, demostrando que lo ordinario es digno de admiración, ya se trate de piedras, de papel de aluminio arrugado o de pintura espesa. A partir de los años sesenta y hasta mediados de los setenta, Dubuffet pone de manifiesto el potencial de aventura, creatividad y descubrimiento que puede desplegarse como consecuencia de la inmersión en la fantasía. Durante la última década de su vida, se centra en impulsar un replanteamiento de las estructuras más básicas de la mente, imaginando las posibilidades que nacen cuando se contempla el mundo sin las restricciones de las categorías aprendidas. Esta exposición, que consta exclusivamente de obras procedentes de las colecciones del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York y de la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, ofrece un recorrido a través de la producción artística de Dubuffet durante estas décadas decisivas, poniendo de relieve cómo, a través de sus giros y distintos enfoques, el artista mantuvo su proyecto en constante evolución basándose en su empeño por compartir con la audiencia sus nuevas y estimulantes perspectivas.






The End (2009) © Ragnar Kjartansson

RAGNAR KJARTANSSON - Paisajes emocionales

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ( Madrid ) ( 22 de Febrero - 26 de Junio 2022 )

El Museo Thyssen-Bornemisza y Thyssen-Bornemisza Art Contemporary presentan Paisajes emocionales, una exposición del artista islandés Ragnar Kjartansson (Reikiavik, 1976) que reúne por primera vez cuatro de sus videoinstalaciones más reconocidas internacionalmente, The Visitors (2012), The Man (2010), The End (2009) y God (2007), además de una serie de acuarelas. La muestra plasma la fascinación de Kjartansson por América, sus paisajes y su música, con obras ambientadas en una granja junto al río Hudson o en las Montañas Rocosas, acompañadas de blues o de jazz, y aprovecha la nueva instalación del museo dedicada al Arte americano en la colección Thyssen para establecer diálogos con pinturas de los siglos XIX y XX.






David Nash, Red Tree, 2021. Photo © Jonty Wilde

DAVID NASH - Full Circle

Bothy Gallery, Yorkshire Sculpture Park and The Weston Gallery ( Wakefield United Kingdom ) ( 19 Febrero – 5 Junio 2022 )

David Nash ha dedicado su vida artística al estudio evolutivo de los árboles y la madera, absorbiendo conocimientos a través de la experiencia y la observación minuciosa durante décadas. Esta nueva exposición en The Weston Gallery está dedicada a los dibujos del artista inspirados en los árboles, desde la observación y el documental, hasta obras abstractas de colores intensos que capturan la esencia de su fuerza vital. La larga asociación de Nash con YSP comenzó hace más de cuarenta años y Full Circle marca una afinidad entre el artista y la organización. A principios de la década de 1980, escribió en una carta sobre su próxima residencia en YSP: “el medio ambiente y la ecología son una primera consideración para mí como artista”. Esta ocupación profética y duradera no solo con la intersección de la naturaleza y el arte, sino también con nuestra relación humana directa con el entorno natural, hace que el trabajo de Nash sea cada vez más pertinente a medida que abordamos la crisis climática. Un aspecto crítico de su admiración por los árboles, y del que podríamos aprender mucho, es que “los árboles toman lo suficiente y devuelven más”.

El dibujo es central y constante en la práctica de Nash como los árboles de los que crece. Es una forma de aprender y comprender su temática, de encontrar forma para las ideas, registrar y responder a las formas de la vida. Las obras en The Weston Gallery, una cantidad significativa de las cuales nunca se han exhibido antes, están animadas por la luz natural que inunda el espacio y resuenan con las vistas del paisaje a larga distancia.
A lo largo de cuatro décadas, una amplia gama de dibujos refleja diferentes procesos y tipos de creación de marcas, desde grafito fino hasta carboncillo grueso y ahumado, y audaces franjas de color logradas mediante la aplicación de pigmento puro sobre tela. Esta simplicidad vista a lo largo de la exposición, es el resultado del hecho de que el artista dibuja inmediata y rápidamente la vida en el paisaje, impulsado por las cualidades particulares de los árboles y sus entornos. Otras obras reflejan a mayor distancia, realizadas en estudio y concentradas en plasmar la sensación de una característica principal como es el color, como tan vibrantemente demuestra Red Tree (2021).






VvsH6 (2006) , © Jordi Cano

Univers JORDI CANO

ACVIC Centre d’Arts Contemporànies ( Vic ) ( 04.02 – 23.04.2022 )

El proyecto “Universo Jordi Cano”se ha estructurado siguiendo unos ámbitos, el primero de los cuales está destinado a construir un retrato intelectual, configurado en base a los referentes culturales que le acompañaron a lo largo de su vida. Referentes que se repetían insistentemente hasta llegar a ser casi obsesivos. Una actitud obstinada, siempre fiel a los autores que en un momento descubrió, se volcó para saber más y de los que nunca se pudo distanciar. Un universo cultural consumido con deleite, que le llevaron a “pensar con los pies, con las manos, con los ojos y con la cabeza”, un ideario aplicado, quizás inconscientemente en un principio, pero que con el tiempo se convirtió en una herramienta pedagógica de primera magnitud.






Effondrement of Arcs, Acero corten 2019 : Lieu d'Art et Action Contemporaine (LAAC), Dunkerque, Francia , Foto: Vincent Bijan, LAAC Dunkerque © Bernar Venet y VG Bild-Kunst, Bonn 2022

BERNAR VENET. 1961 – 2021 60 AÑOS DE PERFORMANCE, CUADROS Y ESCULTURAS

Aeropuerto de Tempelhof Hangar 2 y 3 Berlin (29 de enero – 30 de mayo de 2022)

Más de 150 obras del escultor francés de renombre internacional Bernar Venet muestran todas las facetas de su obra de 60 años. La exposición de 8.000 m2 en los hangares 2 y 3 del aeropuerto de Tempelhof estará abierta a los visitantes a partir del 29 de enero.
Bernar Venet, 1961-2021. 60 años de performance, cuadros y esculturas es la mayor y más extensa retrospectiva del artista francés en todo el mundo hasta la fecha. Abarca toda su compleja y amplia obra como escultor, pintor, artista de performance y artista conceptual radical. La exposición reúne más de 150 obras que reflejan el enfoque intransigente y casi obsesivo del artista para remodelar constantemente su entorno a través del arte. La retrospectiva es la primera de una serie de exposiciones que se mostrarán durante los próximos dos años en los espectaculares hangares 2 y 3 de 8.000 m2 del antiguo aeropuerto Tempelhof de Berlín.

Desde el comienzo en su primer estudio, la exposición recorre la trayectoria de Bernar Venet y la creación de una obra que continúa hasta el día de hoy cuestionándose a sí misma. El escultor francés más expuesto hasta la fecha siempre ha reafirmado su visión del arte, que va mucho más allá de lo formal y espacial. Su esfuerzo todavía está firmemente arraigado en el deseo incontenible de no aceptar simplemente el mundo tal como es, sino de darle su propia perspectiva. Inquebrantablemente directo y convencido de la emotividad y la intención de combinar simbióticamente su existencia con su búsqueda creativa, Venet refleja una vez más su aspiración, en última instancia profundamente optimista, de no reinventar el mundo, sino de cambiar la percepción del espectador.
La exposición está organizada por la Fundación de Bonn para el Arte y la Cultura. El curador es Walter Smerling.






Georg Baselitz, « Die Mädchen von Olmo II », 1981 © Georg Baselitz Photo © Bertrand Prévost - Centre Pompidou, Mnam-Cci / Dist. RMN-GP

BASELITZ - La retrospectiva

Centre Pompidou - Paris ( 20 oct 2021 - 7 mar 2022 )

La retrospectiva es la primera exposición completa del artista alemán en el Centre Pompidou. La muestra reúne, cronológicamente, sus obras maestras de las últimas seis décadas y revela sus periodos creativos más significativos: desde las primeras pinturas y el manifiesto Pandemonium a principios de los 60 hasta la serie Héros, desde sus Compositions fracturées a los motivos invertidos pasando por los conjuntos sucesivos de obras para los que el artista experimenta magistralmente con nuevas técnicas pictóricas de variada estética, nutrido por referencias a la historia del arte y su profundo conocimiento de la obra de numerosos artistas como Edvard Munch, Otto Dix o Willem de Kooning, hasta las pinturas rusas y las creaciones autorreflexivas Remix y Time.

Inclasificable, oscilando entre la figuración, la abstracción y un enfoque conceptual, Georg Baselitz declara pintar imágenes que aún no han existido y exhumar lo rechazado en el pasado: «Nací en medio de un orden destruido, en un pueblo en ruinas, una sociedad en ruinas. Y yo no quería introducir un nuevo orden. Había visto ya demasiados, así llamados, órdenes. Tenía que cuestionarlo todo, volver a ser naïf, empezar de nuevo. No tengo ni la sensibilidad ni la educación ni filosofía de los manieristas italianos. Pero yo soy un manierista en el sentido de deformar las cosas. Soy brutal, ingenioso y gótico»
Íntimamente ligada a la experiencia y la imaginación del artista, la poderosa obra de Georg Baselitz revela su continuo cuestionamiento sobre las posibilidades de la representación de sus recuerdos, variaciones de técnicas y motivos tradicionales en la pintura, formas estéticas establecidas a lo largo de la historia del arte, así como formalismos dictados y vehiculados por los diversos regímenes políticos y estéticos de los siglos XX y XXI, demostrando la complejidad de ser pintor en la Alemania de la posguerra.






Sebastião SALGADO/nbpictures

Amazônia - Sebastião Salgado

Science Museum, Exhibition Road, South Kensington, London (13 Octubrer 2021 – 20 Marzo 2022)

"Lo que quiero es crear una discusión sobre lo que está sucediendo en todo el mundo y provocar un debate con estas imágenes", dijo una vez Sebastião Salgado, quien fundó el Instituto Terra, una organización sin fines de lucro que ha convertido 17,000 acres de selva amazónica en una reserva natural y se dedica a la reforestación, conservación y educación ambiental. Al regresar a Londres por primera vez desde 2013, las 200 fotografías en blanco y negro del fotoperiodista en el Museo de Ciencias demuestran tanto la delicadeza como la urgencia de la existencia del Amazonas. Desde las comunidades más afectadas por la crisis climática hasta los líderes indígenas cuyas voces Salgado pretende amplificar, es una colección conmovedora, provocativa y desafiante que tardó siete años en realizarse e involucró el trabajo en estrecha colaboración con 12 comunidades diferentes.






René Magritte. 'El gran siglo', 1954. Óleo sobre lienzo, 50 x 60 cm. Kunstmuseum Gelsenkirchen, lb 65/27. © René Magritte, VEGAP, Madrid, 2021

RENÉ MAGRITTE - La máquina Magritte

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ( Madrid ) ( 14 Septiembre de 2021 - 30 de Enero de 2022 )

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la primera retrospectiva de René Magritte (Lessines, 1898 - Bruselas, 1967) que se celebra en Madrid desde la que le dedicó la Fundación Juan March en 1989 con enorme éxito de público. Su título, La máquina Magritte, destaca el componente repetitivo y combinatorio en la obra del gran pintor surrealista, cuyos temas obsesivos vuelven una y otra vez con innumerables variaciones.
Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo, la muestra reúne más de noventa pinturas y una instalación en la Sala Balcón Mirador de una selección de fotografías y películas domésticas realizadas por el propio pintor.

La obra de Magritte introdujo en el arte de nuestro tiempo planteamientos de gran originalidad e imágenes de gran belleza. Su trabajo pictórico, en el que las estructuras racionales establecidas se ponen en entredicho y los valores temporales, espaciales y lingüísticos aceptados se cuestionan en favor de otros modos posibles de entender el mundo, reflejan muchas de las preocupaciones del movimiento liderado por André Breton.
Pero más que seguir intereses comunes del surrealismo, como el sueño propiamente dicho o la psicología profunda, Magritte investigó modos alternativos de afrontar la realidad partiendo de una idea fundamental: la forma en que las cosas “son” no es más que una estructura racional aceptada colectivamente. La libertad se desarrolla cuando esos parámetros de conocimiento se ponen en entredicho y se abren otros nuevos.
La muestra se divide en siete secciones: Los poderes del mago, Imágenes y palabras, Figura y fondo, El cuadro y la ventana, El rostro y la máscara, Mimetismo y Megalomanía






Grand Palais Éphémère - © Wilmotte & Associés Architectes

ART PARÍS 2021

Grand Palais Éphémère ( Del 9 al 12 de Septiembre 2021 )

Art Paris será el primer evento artístico que se celebrará en el Grand Palais Éphémère en el Champ-de-Mars, una espectacular estructura adecuada para el siglo XXI diseñada por Jean-Michel Wilmotte.
Esta 23ª edición, con unas 140 galerías de arte moderno y contemporáneo de 23 países (y la destacada llegada de varias de las principales galerías) presentará una destacada selección de obras. Una feria tanto regional como cosmopolita, Art Paris acoge grandes y prestigiosas galerías junto a pequeños independientes principalmente de Europa, pero también de lugares tan remotos como Corea del Sur, Colombia, Costa de Marfil, Guatemala y Uruguay.

El tema principal de la edición 2021 es el regreso a la pintura. En Retrato y figuración, un enfoque en la escena francesa, el comisario independiente de exposiciones Hervé Mikaeloff presenta su perspectiva sobre el resurgimiento de la pintura figurativa en Francia con una selección de 20 artistas de entre las galerías expositoras.
Art Paris también fomenta la presentación de exposiciones monográficas, veintiséis este año, al tiempo que apoya a las galerías jóvenes y a los artistas emergentes en la sección "Promesas", que ofrece una perspectiva de futuro con galerías contemporáneas de vanguardia de Abidjan, Ciudad de Guatemala, Marsella. y París.






Alexander Calder, Five Swords, 1976, Sheet metal, bolts, paint, 541 x 671 x 884 cm / 213 x 264 x 348, Calder Foundation, New York © 2021 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York. VG-Bildkunst Bonn, 2021 / Photo: David von Becke

ALEXANDER CALDER . Minimal / Maximal

Neue Nationalgaleri Berlin. ( 22.08.2021 - 13.02.2022 )

Alexander Calder (1898-1976) ha estado estrechamente asociado con la Neue Nationalgalerie durante décadas, gracias a su obra maestra Têtes et Queue (1965). La escultura al aire libre se instaló para la inauguración de la icónica obra de arquitectura de Mies van der Rohe y ahora regresa a la terraza del museo para su reapertura.
Los móviles, estables y móviles de pie del modernista estadounidense van desde la miniatura hasta lo monumental. Esta exposición traza la relación única entre el tamaño, la escala y la espacialidad en las obras de Calder, al tiempo que yuxtapone sus formas orgánicas con la estricta geometría del edificio de Mies van der Rohe en un diálogo poético.
El enfoque abierto y experimental de la instalación, que se concibió específicamente para la sala de cristal de la Neue Nationalgalerie, se basa en la participación de los visitantes, que podrán experimentar algunas de las obras de Calder en movimiento. Algunas de las obras de Calder se activan en diferentes momentos, hasta cuatro veces al día.






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