SOLEDAD SEVILLA - Ritmos, tramas, variables
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ( 25 / 09/ 2024 - 10 / 03 / 2025 )
A lo largo de su carrera, la pintora Soledad Sevilla (Valencia, 1944) ha desarrollado un riguroso lenguaje basado en la pureza de la línea y el color y en la construcción de formas partiendo de módulos geométricos. Esta exposición, comisariada por Isabel Tejeda, repasa cronológicamente la trayectoria de la artista a través de más de un centenar de obras que abarca desde sus primeros pasos en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid hasta sus producciones actuales, algunas realizadas específicamente para la muestra. La retrospectiva incide en la afirmación de la artista de que ha pintado el mismo cuadro toda su vida, conectando sus primeros trabajos de la década de 1960 con sus últimas series como Horizontes blancos o Esperando a Sempere, en la que homenajea a su referente y amigo Eusebio Sempere.
Aunque ligada en sus inicios al heterogéneo grupo de artistas españoles adscritos a los presupuestos estéticos de la abstracción geométrica —con los que ha mantenido afinidad toda su vida—, Sevilla pronto se desmarca del uso del ordenador como herramienta plástica. Entre 1980 y 1982, realiza una estancia en Boston fundamental en el desarrollo de su carrera. Allí lleva a cabo, entre otros proyectos, las series Keiko, Stella y Belmont, compuestas por dibujos de líneas individuales, finas y ligeras que preconizaban la sensación de vibración tan característica de su pintura posterior. A su regreso, la línea, las tramas y la luz como vehículos de la emoción llevan a la artista a trabajar sobre dos hitos esenciales de la cultura española, Las Meninas de Diego Velázquez y la arquitectura andalusí de La Alhambra de Granada —ciudad en la que reside en la actualidad
Museo Guggenheim Bilbao (28.06.2024 - 03.11.2024)
Yoshitomo Nara es uno de los artistas más célebres de su generación. Su obra es ampliamente reconocida por las audaces y caricaturescas figuras infantiles de gran cabeza y ojos grandes tan fascinantes como en ocasiones amenazadoras, desafiantes e insolentes, o melancólicas e inseguras, que con el paso del tiempo se han vuelto cada vez más serenas y reflexivas. Si bien Nara no obtuvo una aceptación inmediata en el mundo del arte, su innovador estilo gráfico está plenamente consolidado en la actualidad.
Los personajes de Nara —sus figuras, animales y seres híbridos— son un reflejo de sí mismo, una representación plástica de sus emociones y pensamientos más íntimos, y muestran la profundidad de su humanismo. Las fuentes de su creación son recuerdos de infancia —grabados a fuego en su memoria—, su conocimiento de la música y la literatura, la historia del arte japonés y europeo —enriquecida por su insaciable curiosidad—, así como los estimulantes encuentros, llenos de empatía, que ha mantenido con personas y culturas en sus viajes por Japón y el extranjero.
Conocido por su actitud desenfadada y su espíritu libre, el artista siempre ha sentido pasión por la música folk, rock y punk underground. Desde su profunda implicación con la humanidad y la sociedad, su obra, comprometida con el mundo que compartimos, examina y propone ideas acerca de cuestiones como el hogar, la comunidad, la naturaleza, el medioambiente y las interrelaciones entre estos ámbitos.
Solomon R. Guggenheim Museum New York ( 17 de Mayo – 29 de Septiembre, 2024)
Jenny Holzer: Light Line presenta una reinvención de la emblemática instalación de Jenny Holzer de 1989 en el Guggenheim. La nueva manifestación del letrero electrónico de Holzer, Installation for the Solomon R. Guggenheim Museum (1989/2024), transforma el edificio con una exhibición actualizada y ampliada de textos en movimiento, que incluyen lenguaje de sus series icónicas, como Truisms y Inflammatory Essays. La nueva instalación, que ocupa tres vueltas de la rotonda diseñada por Frank Lloyd Wright en la exposición de 1989, sube las seis rampas hasta el óculo del edificio, haciendo realidad la visión original de la artista.
Light Line también presenta una selección de obras de Holzer desde la década de 1970 hasta la actualidad, que incluyen pinturas, obras en papel, placas y piezas de piedra. Lee Quiñones, uno de los creadores del arte callejero y colaborador de Holzer desde hace mucho tiempo, ha pintado grafitis en las paredes de la High Gallery del museo sobre los coloridos carteles Inflammatory Essays del artista.
Centre Pompidou Paris ( 27 Marzo - 1 Julio 2024)
Nunca antes se había dedicado una exposición de esta magnitud a Constantin Brancusi. De hecho, en ella se expone una colección de alrededor de doscientas esculturas, así como fotografías, dibujos, películas, archivos, herramientas y mobiliario del estudio.
Esta presentación, organizada con motivo del traslado completo del taller Brancusi como parte de las obras de renovación del Centre Pompidou, brinda una oportunidad única de reexaminar desde otra perspectiva el arte de este gran artista del siglo XX. Como joya de la colección del Museo desde su legado al Estado francés en 1957, el taller constituye la matriz de esta retrospectiva, que reúne conjuntos escultóricos inéditos, gracias a importantes préstamos de destacados museos internacionales.
ANTONI TÀPIES - La práctica del arte
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía - ( 21 febrero - 24 junio, 2024 )
Con motivo del centenario del nacimiento de Antoni Tàpies (1923-2012), el Museo Reina Sofía y la Fundació Antoni Tàpies organizan una de las exposiciones más completas dedicadas al artista, con más de 220 obras procedentes de museos y colecciones privadas de todo el mundo, que muestran su trayectoria entre 1943 y 2012.
Artista autodidacta, gran melómano y bibliófilo, Tàpies escribió y reflexionó con profusión sobre la condición humana, su situación histórica y la práctica artística, especialmente sobre los límites y contradicciones de la pintura. Sus inicios están marcados por la herencia de las vanguardias históricas y su vinculación, hasta principio de la década de 1950, con el grupo vanguardista catalán Dau al Set. A partir de entonces, Tàpies inicia una prolongada etapa de experimentación con la materia —caracterizada por el uso de materiales ajenos a la práctica artística como el polvo de mármol o el cemento— que le otorga el reconocimiento internacional.
A partir de los años sesenta lleva a cabo una serie de tentativas objetuales en las que la materia presente en su pintura comienza a cobrar la apariencia de objetos cotidianos, al mismo tiempo que emplea estos para la creación de obras tridimensionales. En este momento, además, su compromiso político antifranquista se hace más explícito en su trabajo. El comienzo de la democracia en España, y con ella una nueva realidad cultural, coincide con nuevas investigaciones matéricas, la incorporación del barniz y la influencia de la espiritualidad oriental —reflejo de sus múltiples intereses— que dan lugar a obras más depuradas que alcanzan cotas de gran lirismo. En sus últimas dos décadas, atravesadas por el cambio de siglo, un sentimiento de nostalgia invade la obra de Tàpies: consciente de su avanzada edad, la muerte y la enfermedad se convierten en temas dominantes.
A través de las obras seleccionadas, algunas de las cuales no se han mostrado juntas desde hace tiempo, esta exposición muestra la prolífica trayectoria de Tàpies para resituar su trabajo e influencias en la historia del arte reciente.
SCULPTORS & SPACES : Anthony Caro y Eduardo Chillida
Museo Würth (Künzelsau, Alemania) (17.12.2023 - 27.10.2024)
El Museo Würth (Künzelsau, Alemania) expone Sculptors & Spaces: Anthony Caro and Eduardo Chillida, una exposición que reúne alrededor de 70 esculturas y murales de dos artistas que en 2024 cumplirían 100 años. Con sus esculturas, a menudo expansivas, Anthony Caro (1924-2013) y Eduardo Chillida (1924-2002) han dejado huella en muchos lugares pero también comparten piezas de pequeños formatos, así como una diversidad de materiales utilizados. La exposición pone de relieve las diferencias pero también las similitudes de los dos escultores, que exploraron constantemente los ámbitos de lo posible en cuanto a forma, material y temática en la escultura.
Con su trabajo, tanto Caro como Chillida trascendieron las fronteras existentes, son reconocidos como representantes de la abstracción escultórica y contribuyeron significativamente al desarrollo de la escultura moderna. Además, sus obras están representadas en renombradas colecciones y museos de todo el mundo y enriquecen desde hace tiempo la Colección Würth.
La Fondation Louis Vuitton ( Paris ) ( 18.10.2023 - 02.04.2024 )
La exposición comienza con escenas íntimas y paisajes urbanos –como visiones del metro de Nueva York– que dominan la producción de Rothko en la década de 1930, antes de su transición a un repertorio inspirado en mitos antiguos y el surrealismo que Rothko utiliza para expresar la dimensión trágica de lo humano. condición durante la guerra.
A partir de 1946, Rothko da un importante giro hacia el expresionismo abstracto. La primera fase de este cambio es la de Multiformas, donde masas cromáticas quedan suspendidas en una especie de equilibrio sobre el lienzo. Poco a poco, estos disminuyen en número, y la organización espacial de su pintura evoluciona rápidamente hacia las obras “clásicas” de Rothko de los años 50, donde las formas rectangulares se superponen según un ritmo binario o ternario, caracterizado por tonos de amarillo, rojo, ocre, naranja, pero también azul, blanco…
En 1958, Rothko recibe el encargo de producir una serie de pinturas murales para el restaurante Four Seasons diseñado por Philip Johnson para el edificio Seagram de Nueva York, cuya construcción está supervisada por Ludwig Mies van der Rohe. Más tarde, Rothko decide no entregar las pinturas y se queda con la serie completa. Once años después, en 1969, el artista dona nueve de estos cuadros –que se diferencian de los anteriores por sus intensos tonos rojos– a la Tate Gallery, que dedica una sala de sus colecciones exclusivamente a Rothko. Esta serie se presenta excepcionalmente en la exposición de la Fundación.
En 1960, la Colección Phillips dedica una sala permanente, la primera “Sala Rothko”, al artista. La sala está diseñada en estrecha colaboración con él y también aparece en la exposición. En 1961, el Museo de Arte Moderno de Nueva York organiza la primera gran retrospectiva, exposición que posteriormente viaja por varias ciudades europeas (Londres, Basilea, Ámsterdam, Bruselas, Roma y París). En la década de 1960, Rothko acepta otros nuevos encargos, entre los que destaca la capilla John y Dominique de Menil en Houston, que se inaugura en 1971 y recibe el nombre de Capilla Rothko.
Si bien Rothko prefiere los tonos más oscuros y los contrastes apagados desde finales de los años cincuenta, el artista nunca abandona por completo su paleta de colores brillantes, como lo demuestran varios cuadros de 1967 y el último cuadro rojo que quedó inacabado en su estudio. Incluso en el caso de la serie Black and Grey de 1969-1970, es mejor evitar una interpretación simplista de la obra, asociando el gris y el negro con la depresión y el suicidio.Estas obras se exhiben en la sala más alta del edificio Frank Gehry, junto a las figuras escultóricas de gran escala de Alberto Giacometti, creando un ambiente cercano a lo que Rothko tenía en mente para un encargo de la UNESCO que nunca se realizó. La permanencia del cuestionamiento de Rothko, su deseo de un diálogo sin palabras con el espectador y su negativa a ser visto como un “colorista” son elementos que permiten una nueva interpretación de su trabajo multifacético en esta exposición.
The Fondation Cartier pour l’art contemporain - Paris ( 08/06 - 05/11 2023 )
Nacido en Melbourne en 1958 y viviendo en el Reino Unido desde 1986, Ron Mueck ha desarrollado un cuerpo de trabajo que toca lo universal y ha renovado profundamente la escultura contemporánea. Sus personajes asombrosos y convincentes, siempre esculpidos en una escala asombrosa, tardan meses, o incluso años, en crearse. De un período de poco más de veinticinco años, su obra total consta de 48 obras, la más reciente que se completó a tiempo para la inauguración de esta exposición.
Las obras de Ron Mueck, a la vez profundamente misteriosas y extremadamente genuinas, imbuyen la realidad de una cualidad onírica que nos invita a confrontar nuestra propia relación con el cuerpo y, más ampliamente, con la existencia.
En su escala y ambición, la instalación monumental Mass es la pieza central de la exposición y representa un hito en la carrera del artista. Encargada por la Galería Nacional de Victoria (Melbourne, Australia) en 2017, Mass comprende cien cráneos humanos gigantes apilados y reconfigurados por el artista para cada lugar. La instalación ofrece una experiencia física y psicológica que cautiva a los visitantes y los invita a reflexionar sobre aspectos fundamentales de la existencia humana. El título por sí solo permite vislumbrar las diversas interpretaciones de la obra. Los múltiples significados de la palabra “misa”, desde el montón desordenado hasta la ceremonia religiosa formal, son puntos de partida para el encuentro personal de cada espectador.
La iconografía del cráneo es en sí misma ambigua; asociado con la brevedad de la vida humana en la historia del arte y omnipresente en la cultura popular. Para Mueck, “El cráneo humano es un objeto complejo. Un ícono gráfico potente que reconocemos de inmediato. A la vez familiar y exótico, repele y atrae a la vez. Es imposible ignorarlo, exigiendo nuestra atención a un nivel subconsciente”.
PICASSO ESCULTOR . Materia y cuerpo
Museo Picasso Málaga ( 09/05 -10/09 2023 )
Aparentemente la escultura de Picasso se vio eclipsada por sus pinturas y jugó un papel secundario en su fértil trayectoria artística. La primera exposición en la que se mostró su escultura fue en Hommage à Pablo Picasso en el Grand Palais y Petit Palais en París en 1966. Al año siguiente, la Tate Gallery de Londres organizó otra muestra dedicada principalmente a su escultura; hasta entonces, su obra en tres dimensiones había recibido escasa atención crítica. Sin embargo, para Picasso la escultura no era una cuestión secundaria, sino una forma de expresión equiparable a la pintura. Según Pierre Daix: “fue al menos tan gran escultor como pintor, y para él estas dos vertientes de su trabajo fueron siempre complementarias, pues había descubierto muy pronto que el paso de una a otra le permitía precisamente determinar lo que es pintura y lo que es escultura”
Picasso escultor. Materia y cuerpo es la primera gran exposición en España dedicada a esta faceta picassiana. La selección de obras quiere subrayar el papel central que tuvo para el artista malagueño la representación del cuerpo humano entendido como totalidad y también como fragmento.
Al igual que en el resto de su producción artística, la escultura de Picasso se distingue por la innovación y el uso de técnicas y materiales poco ortodoxos. El desarrollo de su obra se entiende como una alternancia entre el modelado y la construcción, bien en hierro soldado, en madera o chapa de metal, incorporando el vacío como un nuevo elemento que fue crucial para la escultura moderna. La interrelación que llevó a cabo entre las diversas disciplinas artísticas está presente en los principios cubistas de su pintura que traslada a las tres dimensiones en la escultura; o en el uso de materiales encontrados que al igual que en sus collages, utiliza para crear obras tridimensionales. Dibujos y planos de papel recortado en dos dimensiones se traducen a hojas de metal que se doblan hasta elevar su volumen. La chapa recortada y doblada sería el último material con el que Picasso se define como escultor, que trasladada al hormigón o al acero corten dará lugar a obras monumentales a escala arquitectónica.
JAUME PLENSA - Poesía del silencio
Fundación Catalunya La Pedrera . Casa Mila (Barcelona) ( 31/03/2023 -l 23/07/2023 )
Una exposición única para descubrir el Plensa más íntimo y desconocido. Se muestra, por primera vez, la influencia que ha tenido la literatura, el lenguaje y el alfabeto en su obra
Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es uno de los escultores más reconocidos internacionalmente en el panorama de la escultura contemporánea de finales del siglo XX al XXI. Su trabajo actual se centra en la figura humana, en la que confluyen dos vectores esenciales: la materia y la palabra. La exposición en La Pedrera, que abarca su producción desde 1990 hasta la fecha, destaca algunos aspectos clave de la obra de Plensa como escultor y se articula en torno a las relaciones entre el universo creativo del artista y la letra como elemento constitutivo de su obra.
Esta relación de Plensa con la literatura, y en especial con la poesía, es el hilo conductor de esta muestra, en la que también están presentes otras temáticas recurrentes en su trayectoria como el silencio, el sueño, la música y la familia.
Para el artista cada letra tiene una belleza única, pero todas juntas son una muestra de la diversidad del mundo y la convivencia entre diferentes culturas. Tal y como explica «una letra no parece nada, es algo humilde, pero unido a otros forman palabras, y las palabras forman textos y los textos, pensamiento. Es un poco la idea de la piedra fundacional, en torno a la cual se construye el templo, después la ciudad, el país, el continente y el universo».
PABLO PALAZUELO - La línea como sueño de arquitectura
Museo ICO ( Madrid ) 15/02 - 07/05 2023
En esta exposición, Pablo Palazuelo. La línea como sueño de arquitectura, se reúnen por primera vez las doce obras y los doce proyectos más representativos que ilustran la aproximación más directa que operó Pablo Palazuelo entre sus investigaciones geométri cas y la arquitectura. La singularidad de esta mues tra, centrada en la vertiente más arquitectónica de su obra, solamente ha sido posible a partir del descubri miento de las legiones de bocetos y croquizaciones inéditos que Palazuelo guardaba celosamente.
Unos documentos que actualmente custodia la Fundación Pablo Palazuelo y que ejemplarizan un proceso de trabajo que plantea una asombrosa si militud con el desarrollado en un proyecto arqui tectónico. A partir de estos bocetos se han podido perfilar las diversas etapas hasta reconstruir su método creativo, donde destaca el intenso uso de papeles translúcidos y de trazos de grafito. El protagonismo de sus composiciones reside en la línea. Un trazo dotado de una componente poética heredera de la “línea que sueña” de Paul Klee, una cita que Palazuelo solía repetir y que sirve de origen para el título de la exposición.
El fundamento teórico en que se basa esta muestra se cimienta en la tesis doctoral titulada Análisis de la geometría de Pablo Palazuelo desde la visión del arquitecto, que desvela los vínculos existentes entre el proceso geométrico empleado por este artista y el método arquitectónico. Constituye un trabajo donde se desarrollaron estudios gráficos de los distintos diseños de Palazuelo, que actualmente se están ampliando como trabajo de investigación elaborado en el ámbito de la Universidad Politécnica de Madrid. De esta manera, se está consolidando una línea de investigación cuyos resultados se están divulgando en diversas publicaciones científicas donde se aborda el análisis de la obra de Palazuelo.
LUCIAN FREUD . Nuevas perspectivas
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ( 14 de febrero - 18 de junio de 2023 )
Con motivo del centenario del nacimiento del pintor británico Lucian Freud (1922-2011), el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y la National Gallery de Londres presentan una exposición retrospectiva que reúne más de medio centenar de obras.
Freud, uno de los pintores figurativos más excepcionales de la modernidad, nació en Berlín, y en 1933, al llegar el nazismo al poder, emigró junto a su familia a Londres. En su juventud, el ambiente familiar le proporcionó una considerable y variada cultura: su padre era un arquitecto de renombre, su madre estudió historia del arte y su abuelo fue Sigmund Freud, el célebre creador del psicoanálisis. En su edad madura, el artista llegó a convertirse en una leyenda, debido a su trepidante vida personal, que se desarrolló tanto en ambientes aristocráticos como en los bajos fondos.
Desde un principio, Freud tomó partido por el arte figurativo centrándose en la representación de los seres humanos. El autorretrato, el retrato y el desnudo constituyeron el eje principal de su producción artística. Tradicionalmente su obra se ha vinculado a la denominada Escuela de Londres, que más que una escuela era un grupo de pintores figurativos afincados en la capital británica, como Francis Bacon, Frank Auerbach, Leon Kossoff o Michael Andrews.
Galleria dell’Accademia & Palazzo Manfrin ( Venecia, Italia ) ( 20 Abril – 9 Octubre, 2022 )
La Gallerie dell'Accademia di Venezia ha organizado una ambiciosa presentación de trabajos retrospectivos y nuevos de Anish Kapoor, el artista británico famoso por explorar los límites y la materialidad del mundo visible a través de obras que trascienden su objetualidad e invitan a una interacción maravillosa y sustentadora. Otro lugar prestigioso, el histórico Palazzo Manfrin en el distrito de Cannaregio, complementa esta presentación con otra importante selección de obras a gran escala que desafían el género.
Comisariada por el historiador de arte Taco Dibbits, director del Rijksmuseum de Ámsterdam, esta exposición revela la gama completa y visionaria de la práctica de Kapoor, su sensibilidad pictórica y su destreza escultórica.
Anish Kapoor dijo: “La luz y el espacio de Venecia, y las glorias de la colección de la Accademia, han sido una inspiración para mí durante mucho tiempo. He llegado a amar esta ciudad y sus pintores, escultores y arquitectos, y me siento honrado de ser invitado a entablar un diálogo visual con ellos. Espero poder agregar algo al vocabulario de color y forma que ha sido el regalo de Venecia al mundo”.
SOLEDAD SEVILLA - Te llamaré hoja
Pabellón Villanueva. Real Jardín Botánico ( Madrid )( 29 marzo - 22 mayo 2022 )
Soledad Sevilla (Valencia, 1944), que en 2020 recibió el Premio Velázquez de Artes Plásticas, decidió donar ese año una parte muy importante de su producción artística al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. La artista, afincada entre Granada y Madrid, siempre se ha sentido muy próxima a la escena artística andaluza. Además, entornos como La Alhambra o El Rompido han servido como fuentes de inspiración para algunas de sus series más conocidas. La exposición Soledad Sevilla. Te llamaré hoja cuenta con una selección de obras muy relacionadas con el entorno en el que se exponen: el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico de Madrid.
Por un lado, los secaderos de tabaco de la Vega de Granada y, por otro, una serie de obras que tienen a los muros vegetales como punto de partida. En ambas series la abstracción y la repetición, característica desde los inicios de su trayectoria, perviven y se acentúan para acabar proporcionando a estos paisajes cierto sentido naturalista. "La creación se estimula con la mirada", como señala la propia Soledad Sevilla, y así ocurrió con la visión de la arquitectura de unos secaderos, que son las primeras obras que se encuentran en el recorrido de la muestra y de donde parte una de las series pictóricas más importantes de su trayectoria. Como queda de manifiesto en la larga y fructífera carrera de Soledad Sevilla, la investigación constante y el incansable hacer demuestran que en la vida no todo es azar, puesto que la voluntad de conocimiento y su experiencia también determinan nuestro ser y estar en el mundo.
ANSELM KIEFER - Questi scritti, quando verranno bruciati, daranno finalmente un po’ di luce
Palazzo Ducale, Piazza San Marco ( Venecia ) ( 26 Marzo – 29 Octubre, 2022 )
Anselm Kiefer expone una serie de obras nuevas en una instalación de pinturas realizadas específicamente para el lugar en diálogo con uno de los espacios más importantes del Palacio Ducal, la Sala dello Scrutinio, y con la historia de Venecia.
"A veces sucede que hay una convergencia entre momentos pasados y presentes, y cuando se encuentran uno experimenta algo parecido a la inmovilidad en el hueco de la ola que está a punto de romper. Habiéndose originado en el pasado pero perteneciente a algo en el fondo. más que ella, estos momentos son tanto parte del presente como del pasado, y lo que generan es muy importante.” Anselm Kiefer
El Palacio Ducal ha acogido a generaciones de artistas como Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Tiziano, Veronese, Tintoretto y muchos otros. El espacio monumental de la Sala dello Scrutinio, sede designada para la elección del Dux, está ricamente decorado con pinturas que celebran el poder de la Serenísima República de Venecia.
Las referencias filosóficas y literarias siempre han sido fundamentales para comprender la obra de Anselm Kiefer. La exposición lleva por título "Estos escritos, al quemarse, finalmente darán algo de luz" a partir de las palabras del filósofo veneciano Andrea Emo (1901-1983), cuyos escritos conoció Kiefer hace seis años. El método artístico de Kiefer tiene profundas consonancias con el pensamiento filosófico de Andrea Emo.
En la instalación del Palazzo Ducale, Kiefer también reflexiona sobre la posición única de Venecia, situada entre el norte y el sur, y sobre su interacción entre el este y el oeste, encontrando conexiones igualmente significativas entre las diferentes culturas, la historia de la ciudad y el texto de la obra trágica de Goethe Faust: Segunda parte (1832).
MADRE Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina (Napoli) ( 25 Marzo - 5 Septiembre 2022 )
La exposición, comisariada por Gianfranco Maraniello, es la primera antología del artista tras su muerte en 2019.
Lawrence Carroll (Melbourne 1954 - Colonia 2019) ha sido protagonista de la escena artística estadounidense y, al mismo tiempo, un intérprete cosmopolita de perspectivas poéticas que no se reducen a la historia de las vanguardias y las neovanguardias; su obra, de hecho, no se inscribe en una corriente artística específica, sino que indaga en la posibilidad misma de pintar después y más allá de la primacía de las escuelas y teorías que dominaron la segunda posguerra.
El itinerario expositivo requiere intentar adecuarse a la característica forma de montar sus exposiciones, que siempre ha privilegiado las relaciones espaciales y sentimentales de habitar los lugares por encima de la sucesión cronológica o la compartimentación temática de las obras en clasificaciones paralizantes como ha argumentado el propio Carroll al afirmar: "En mi pintura las formas siempre están cambiando, su misma ubicación en el espacio cambia, esta inquietud del pensamiento y del espíritu es lo que en cierto sentido hace que mis obras estén 'vivas' y las mantiene en movimiento".La exposición está organizada con la colaboración de Lucy Jones Carroll del Lawrence Carroll Archive.
JEAN DUBUFFET - Ferviente Celebración
Museo Guggenheim Bilbao ( 25 Febrero - 21 Agosto, 2022 )
Al final de la Segunda Guerra Mundial, Jean Dubuffet (1901–1985) comenzó a exponer sus pinturas, que desafiaban los valores estéticos más arraigados. Rechazando los principios de decoro y belleza clásica, así como cualquier pretensión de pericia técnica, Dubuffet se centró en lo ordinario y en lo que a menudo pasa desapercibido, empleando en su obra materiales vulgares, temas prosaicos y un estilo que rehúsa todo signo externo de formación académica. Con esta visión, Dubuffet se enfrentaba a las normas, que, en su opinión, dificultaban la expresión auténtica y menospreciaban la experiencia cotidiana. Sin embargo, su objetivo no solo era revelar cuán anticuadas estaban las convenciones culturales, sino también ilustrar la vitalidad de una existencia libre de ellas. En una ocasión, el propio Dubuffet afirmó: “Me gustaría que la gente viera mi trabajo como una recuperación de valores desdeñados y [. . .], no se equivoquen, como una obra de ferviente celebración”.
A lo largo de su carrera, la producción artística de Dubuffet se caracteriza por un impulso festivo y también por su compromiso con la crítica de la cultura. Sus obras de las décadas de 1940 y 1950 invitan al público a cuestionarse profundamente el concepto de belleza, demostrando que lo ordinario es digno de admiración, ya se trate de piedras, de papel de aluminio arrugado o de pintura espesa. A partir de los años sesenta y hasta mediados de los setenta, Dubuffet pone de manifiesto el potencial de aventura, creatividad y descubrimiento que puede desplegarse como consecuencia de la inmersión en la fantasía. Durante la última década de su vida, se centra en impulsar un replanteamiento de las estructuras más básicas de la mente, imaginando las posibilidades que nacen cuando se contempla el mundo sin las restricciones de las categorías aprendidas. Esta exposición, que consta exclusivamente de obras procedentes de las colecciones del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York y de la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, ofrece un recorrido a través de la producción artística de Dubuffet durante estas décadas decisivas, poniendo de relieve cómo, a través de sus giros y distintos enfoques, el artista mantuvo su proyecto en constante evolución basándose en su empeño por compartir con la audiencia sus nuevas y estimulantes perspectivas.
RAGNAR KJARTANSSON - Paisajes emocionales
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ( Madrid ) ( 22 de Febrero - 26 de Junio 2022 )
El Museo Thyssen-Bornemisza y Thyssen-Bornemisza Art Contemporary presentan Paisajes emocionales, una exposición del artista islandés Ragnar Kjartansson (Reikiavik, 1976) que reúne por primera vez cuatro de sus videoinstalaciones más reconocidas internacionalmente, The Visitors (2012), The Man (2010), The End (2009) y God (2007), además de una serie de acuarelas. La muestra plasma la fascinación de Kjartansson por América, sus paisajes y su música, con obras ambientadas en una granja junto al río Hudson o en las Montañas Rocosas, acompañadas de blues o de jazz, y aprovecha la nueva instalación del museo dedicada al Arte americano en la colección Thyssen para establecer diálogos con pinturas de los siglos XIX y XX.
Bothy Gallery, Yorkshire Sculpture Park and The Weston Gallery ( Wakefield United Kingdom ) ( 19 Febrero – 5 Junio 2022 )
David Nash ha dedicado su vida artística al estudio evolutivo de los árboles y la madera, absorbiendo conocimientos a través de la experiencia y la observación minuciosa durante décadas. Esta nueva exposición en The Weston Gallery está dedicada a los dibujos del artista inspirados en los árboles, desde la observación y el documental, hasta obras abstractas de colores intensos que capturan la esencia de su fuerza vital. La larga asociación de Nash con YSP comenzó hace más de cuarenta años y Full Circle marca una afinidad entre el artista y la organización. A principios de la década de 1980, escribió en una carta sobre su próxima residencia en YSP: “el medio ambiente y la ecología son una primera consideración para mí como artista”. Esta ocupación profética y duradera no solo con la intersección de la naturaleza y el arte, sino también con nuestra relación humana directa con el entorno natural, hace que el trabajo de Nash sea cada vez más pertinente a medida que abordamos la crisis climática. Un aspecto crítico de su admiración por los árboles, y del que podríamos aprender mucho, es que “los árboles toman lo suficiente y devuelven más”.
El dibujo es central y constante en la práctica de Nash como los árboles de los que crece. Es una forma de aprender y comprender su temática, de encontrar forma para las ideas, registrar y responder a las formas de la vida. Las obras en The Weston Gallery, una cantidad significativa de las cuales nunca se han exhibido antes, están animadas por la luz natural que inunda el espacio y resuenan con las vistas del paisaje a larga distancia.
A lo largo de cuatro décadas, una amplia gama de dibujos refleja diferentes procesos y tipos de creación de marcas, desde grafito fino hasta carboncillo grueso y ahumado, y audaces franjas de color logradas mediante la aplicación de pigmento puro sobre tela. Esta simplicidad vista a lo largo de la exposición, es el resultado del hecho de que el artista dibuja inmediata y rápidamente la vida en el paisaje, impulsado por las cualidades particulares de los árboles y sus entornos. Otras obras reflejan a mayor distancia, realizadas en estudio y concentradas en plasmar la sensación de una característica principal como es el color, como tan vibrantemente demuestra Red Tree (2021).
ACVIC Centre d’Arts Contemporànies ( Vic ) ( 04.02 – 23.04.2022 )
El proyecto “Universo Jordi Cano”se ha estructurado siguiendo unos ámbitos, el primero de los cuales está destinado a construir un retrato intelectual, configurado en base a los referentes culturales que le acompañaron a lo largo de su vida. Referentes que se repetían insistentemente hasta llegar a ser casi obsesivos. Una actitud obstinada, siempre fiel a los autores que en un momento descubrió, se volcó para saber más y de los que nunca se pudo distanciar. Un universo cultural consumido con deleite, que le llevaron a “pensar con los pies, con las manos, con los ojos y con la cabeza”, un ideario aplicado, quizás inconscientemente en un principio, pero que con el tiempo se convirtió en una herramienta pedagógica de primera magnitud.